Sprache, Magie und sozialer Affekt

Überlegungen zu einer indigenen Traumdeutung
Tom Waibel

Es geht darum, die Möglichkeiten einer praktischen indigenen Erkenntnistheorie am Beispiel von Träumen zu untersuchen: Ausgehend von der Frage nach dem Glauben an die Macht der Worte werden zunächst einige Schwierigkeiten der Freud’schen Konzeption der Traumdeutung als der Auflösung eines geträumten Bilderrätsels skizziert. Hier soll die suggestive Macht der Bilder durch eine magische Kraft der Worte ersetzt werden, um die Träume als einen Raum zur Offenbarung von Sinn zu begreifen. Das legt eine Überprüfung des ethnologischen Verständnisses der Magie nahe, in dem diese als ein gesellschaftliches Unter- nehmen zum Vollzug eines sozialen Begehrens begriffen wird. Damit verschiebt sich der Akzent der Analyse hin zu einer grundlegend sozialen Verfasstheit der sprachlichen Praxis . Abstrakt gesprochen konstituiert diese Praxis eine symbolische Ordnung, deren Aufgabe es ist, den unterschiedlichsten kollektiven und individuellen Sinnansprüchen eine tragfähige Struktur zu bieten. Kultur könnte demnach als jene Anstrengung begriffen werden, die zur Semiotisierung einer gesellschaftlich verbindlichen Realität erforderlich ist.

Lengua, magia y afecto social

Refexiones acerca de la interpretación de un sueño indigena

Se trata de investigar las posibilidades de una teoría del conocimiento práctico e indígena: partiendo de la cuestión de la fe en el poder de la palabra, se esbozan unas complejidades en la concepción freudiana de la interpretación de sueños que corresponde a la solución de un jeroglífico. El poder sugestivo de la imagen debe reemplazarse por el poder mágico de la palabra para concebir los sueños como un espacio de revelación de los sentidos. Esto sugiere una revisión de la comprensión etnológica de la magia, que corresponde a un proyecto social para la realización de un deseo compartido. Por lo tanto, el acento del análisis se desplaza hacia una condición social fundamental de la práctica lingüística. Dicho de manera abstracta, esta práctica constituye un orden simbólico cuyo cometido consiste en garantizar una estructura sólida para las más diversas exigencias de un sentido colectivo e individual. La cultura podría entenderse como este esfuerzo necesario para semiotizar una realidad social vinculante.

Prensa y emoción en Austria

Estrategias simbólicas contra discursos mediáticos de exclusión
Hansel Sato

¿Es posible elaborar un contradiscurso a narrativas hegemónicas, reapropiándose de formatos que basan su eficacia en la emocionalización del mensaje? ¿Se ha diluido el arte contemporáneo en la marea de signos de la sociedad de la información, o aún queda espacio para un arte postautónomo que reimagine los disensos sociales? El texto trata de responder a estas preguntas a través del análisis de un proyecto artístico que busca insertarse en los circuitos de la mass media, con el fin de visibilizar representaciones racistas y sexistas en la prensa escrita en tiempos de crisis de las identidades nacionales y de miedo a una debacle económica en Europa.

Presse und Emotion in Österreich
Symbolische Strategien gegen mediale Ausgrenzungsdiskurse

Ist es möglich antihegemoniale Erzählungen zu entwickeln, indem man sich mediale Ausdruckformen aneignet, deren Wirksamkeit auf der Emotionalisierung von Botschaften basiert? Hat sich die zeitgenössische Kunst in der Zeichenflut der Informationsgesellschaft aufgelöst, oder bleibt noch Raum für eine postautonome Kunst, die den sozialen Dissens re-imaginiert? Durch die Analyse eines Medienkunstprojekts wird versucht auf diese Fragen zu antworten. Das Projekt zielt auf die Sichtbarmachung von rassistischen und sexistischen Darstellungen durch die Printmedien ab, in den Zeiten der Krise von nationalen Identitäten und der Ängste vor dem finanziellen Debakel in Europa.

Emocionalidad, Política y Performance

Subjetividad cultural implícita en política y performance
El Colectivo Sociedad Civil a fines de la dictadura fujimorista en el Perú
Emilio Santisteban

Reflexionaremos críticamente sobre el trabajo de simbolización interventiva y performativa de la plaza política y el espacio público del Colectivo Sociedad Civil en Lima, Perú, a fines de la dictadura fujimorista. Con una perspectiva testimonial (el autor es miembro fundador del colectivo) que analiza hechos y evidencias, propone un caldo de cultivo cultural en el que la corrupción y las faltas de democracia profunda están naturalizadas en las psicologías y conductas de la población, envolviendo las subjetividades en la política. En dicho caldo de cultivo, y condicionados subjetivamente por él, surgen los movimientos ciudadanos de reacción democratizadora y moralizadora que luchan contra la dictadura, y los cuales preceden y motivan la aparición de la agrupación. Es ese mismo caldo cultural, el que permite que los rasgos antidemocráticos del país se puedan leer a través de ciertas manifestaciones subjetivas y afectivas de inequidad al interior de la propia organización del Colectivo Sociedad Civil, además de en la debilidad de los cambios democratizadores alcanzados, y que se hace visible en la historia política peruana posterior. El texto da cuenta de algunas formas de la política simbolizada que cambiaron en Lima y en el Perú a partir de las acciones del Colectivo Sociedad Civil y de la fuerza de su nombre, y observa la evolución de la relación subjetiva del colectivo con su papel del momento, a través del análisis de los textos y diagramaciones de los volantes de dos de sus acciones: la más influ- yente de todas „Lava la bandera“, y la última, „Ama“.

Kulturelle Subjektivität in Politik und Performance 

Colectivo Sociedad Civil am Ende der Fujimori-Diktatur in Peru

Die vorliegende Untersuchung unternimmt eine kritische Reflexion der interventionistischen und performativen Symbolisierung des politischen Ortes und des öffentlichen Raumes in Lima, die von der Gruppe Colectivo Sociedad Civil am Ende der Fujimori-Diktatur realisiert wurde. Der Autor ist Gründungsmitglied dieser Gruppe und Zeuge der Ereignisse, er analysiert Tatsachen und Beweismittel und schlägt eine Hypothese vor: Es gibt einen kulturellen Nährboden, der die Naturalisierung der Korruption und des Demokratie-Mangels in den Psychologien und Verhaltensweisen der Bevölkerung ermöglicht. Das betrifft auch die politische Subjektivität; auf diesem Nährboden formieren sich Zivilbewegungen, die Demokratie und Moral in der Politik befördern und eine Diktatur bekämpfen, die selbst der Entstehungsgrund dieser Gruppen ist. Derselbe kulturelle Nährboden schafft aber auch die Voraussetzung für antidemokratische Züge innerhalb des Kollektivs – eine Tatsache, die sich aus bestimmten subjektiven und affektiven Manifestationen ablesen lässt, sowie aus der Schwäche der demokratischen Errungenschaften der Bewegung, die in der späteren Geschichte der peruanischen Politik sichtbar werden. Der Text beschreibt einige Formen der symbolischen Politik, die sich in Lima seit den Aktionen des Kollektivs verändert hat. Durch die Analyse von Texten und Flugschriften zwei der öffentlich wirksamsten Aktionen – Lava la bandera („Wasche die Flagge“) und Ama („Nein“ auf Quechua) – wird die Entwicklung der subjektiven Beziehung des Kollektivs zu seiner damaligen Rolle recherchiert.

Theatrale Interventionen

Vale Silicone – Minderheiten zwischen Begierde und Selbstrepräsentation
Marissa Lôbo

Bei diesen hier beschriebenen Intervention im öffentlichen Raum ging es darum, die Selbstverständlichkeit von Machtverhältnissen, sozialer Ungleichheit und gesellschaftlicher Ausgrenzung anzugreifen und ihre vermeintliche Normalität in Frage zu stellen. Das Projekt wurde von der Gruppe Migrawood realisiert, das Kollektiv wurde 2007 in Österreich von Migrantinnen gegründet und bedient sich unterschiedlicher künstlerischer Praktiken, wie Fakes, Parodien, kreative Protestformen, Bedeutungsverschiebungen, Performances und Inszenierungen.

Vale Silicone
Minorías entre deseo y representación propia

Las intervenciones en el espacio público aqui descritas, problematizan la naturalización de las relaciones de poder, la desigualdad y exclusión social, poniendo en tela de juicio su supuesta normalidad. Las intervenciones fueron realizadas por el grupo Migrawood, un colectivo de mujeres migrantes que se fundó en 2007 en Austria que trabaja a través de imitaciones, parodias, formas creativas de protesta, cambios de sentido, performances y escenificaciones.

Melodrama und Perfomance

Melodrama, Telenovela, Rebellion
Gin Müller

Der Text beschreibt die theoretische Herangehensweise, die praktische Umsetzung und den konkreten Inhalt der Theaterperformance Melodrom. The Making of a Rebellious Telenovela. Das Stück, das im Herbst 2012 im Brut im Künstlerhaus uraufgeführt wurde, versteht sich als die Fortsetzung einer theatralen Beschäftigung mit den Themenbereichen Melodrama, Telenovela und Rebellion. Ausgehend von der Theaterproduktion Who shot the Prinzess? Boxstop Telenovelas (Wien / Mexiko 2010 und 2011) im Spannungsfeld von Elfriede Jelineks „Prinzessinnendrama“ und der „Telenovela-Politik“ in Mexiko widmete sich das Theaterkollektiv in ebenso künstlerischer wie wissenschaftlicher Auseinandersetzung Fragestellungen von Affektbildern, Genderperformances und leidenschaftlichen Dialogen. Aus einer queer-feministischen Perspektive erscheint Queerness und Rebellion dem Genre des Melodrama geradezu eingeschrieben.

Melodrom
Melodrama, Telenovela, Rebelión

El texto describe el enfoque teórico, la realización y el contenido específico de la perfomance teatral Melodrom, The Making of a Rebellious Telenovela. La obra estrenada en otoño de 2012 en el teatro Brut Künstlerhaus, debe entenderse como la continuación de una investigación teatral cuyos temas son el melodrama, la telenovela y la rebelión. Tomando como punto de partida la producción teatral ¿Quién mató a la princesa? Boxstop Telenovelas (Viena / México 2010 y 2011), el colectivo de teatro se plantea cuestiones relativas a las imágenes afectivas, las perfomances de género y los diálogos apasionados, a través de una investigación de carácter artístico-científica que se mueve en el espacio de tensión entre los „dramas de princesas“ de Elfriede Jelinek y la „telenovela política mexicana“. Desde una perspectiva queer-feminista, queernes y rebelión parecen estar inscritas en la naturaleza misma del género del melodrama.

La Edad de Oro

Germen de la emancipación mental en la filosofía para niños
Miguel Alvarado

A partir de La Edad de Oro de José Martí, revista de recreo e instrucción dedicada a los niños de América, el trabajo se propone abordar tres núcleos temáticos de singular importancia que enlazan una trama de relaciones entre la filosofía y la literatura infantil. Inicialmente se desarrollan algunas consideraciones contex- tuales que permiten vislumbrar La Edad de Oro en su conjunto como un todo orgánico. Después, se continúa con la reflexión sobre la „emancipación mental“ imbricada a la concepción de la literatura infantil de José Martí. Al final se con- sideran las convergencias entre la autonomía del pensar, que persigue La Edad de Oro, y la propuesta de la filosofía para niños. En los dos últimos apartados, el cuestionamiento de las nociones „niño“ y „adulto“, articula una posición crítica al adultocentrismo.

La Edad de Oro
Ursprung von geistiger Emanzipation in einer Philosophie für Kinder

Ausgehend von La Edad de Oro, einer den Kindern Amerikas gewidmeten Zeitschrift für Aufklärung und Unterhaltung, herausgegeben von José Martí, un- tersucht die Arbeit drei signifikante Themenbereiche, die den Bezugsrahmen zwischen Philosophie und Kinderliteratur eröffnen. Zunächst werden einige kontextuelle Überlegungen entwickelt, die es ermöglichen, La Edad de Oro als ein zusammenhängendes Ganzes zu betrachten. Dann folgt eine Reflexion über die „geistige Emanzipation“, die mit der Vorstellung einer Kinderliteratur von José Martí eng verknüpft ist. Zuletzt werden die Übereinstimmungen zwischen der Autonomie des Denkens, die in La Edad de Oro vorangetrieben wird, und dem Vorschlag einer Philosophie für Kinder untersucht. In den letzten Abschnitten führt die Debatte der Begriffe „Kinder“ und „Jugendliche“ zur Artikulation einer kritischen Position gegenüber dem Erwachsenenzentrismus.

Melodrama und Film

Geschichten einer (klein)bürgerlichen Revolution
Elisabeth Streit

Geschichten voller Pathos, mit dramatischen Wendungen versehen und meist in der totalen Katastrophe endend, haben von jeher die Menschen für Bühne und Film begeistert und mitgerissen . Woher aber kommt die Lust, sich am Leid des Anderen zu delektieren? Einerseits vereinigen bereits die Tragödien der griechischen Antike eine im wesentlichen politische Aussage mit tief empfundenem Schmerz und andererseits scheint das menschliche Bedürfnis zu Weinen ein taugliches Mittel, um sich in der individuell empfundenen Ungerechtigkeit des Lebens zurecht zu finden. Im Kino zählte das Melodram neben Abenteuer- und Westernfilmen schon seit der Stummfilmzeit zu einem der beliebtesten Genres. Aber nicht nur in Hollywood verstand man es großes Kino zu produzieren. Nach einem regen künstlerischen Austausch zwischen Mexiko und den USA begann in den späten 1930er Jahren die Blütezeit, die sogenannten Goldenen Jahre des mexikanischen Films. Die epischen Verfilmungen der Revolution und die populären Melodramen waren durchwegs Kassenschlager. Damit war den mexikanischen Filmschaffenden etwas Besonderes gelungen: Die Erschaffung eines ikonischen Bildes von Mexiko, in dem die Erinnerung an die Zeiten des Aufstandes präsent blieben und variantenreich neu erzählt wurden.

Melodrama en el filme
Historias de una revolución (pequeño)burguesa

Desde hace mucho las historias llenas de pathos con giros dramáticos que en la mayoría de los casos culminan en catástrofes totales, son las que entusiasman y apasionan al público de teatro y cine. ¿Pero de donde proviene el deseo de gozar la pena ajena? Por un lado ya las tragédias de la Antigüedad griega fusionaron una expresión eminentemente política con un dolor profundo; por el otro lado parece que la necesidad humana de llorar es un medio adecuado para ubicarse en la vida, cuya injusticia se percibe individualmente. Ya desde los tiempos del cine mudo el melodrama cuenta como uno de los géneros mas apreciados del cine junto con las películas vaqueras y las de aventura. Pero no tan sólo Hollyood fue capaz de producir gran cine. Después de un vivo intercambio artístico entre México y los Estados Unidos comenzó una etapa de apogeo del cine Mexicano, la llamada época de oro a partir de los años 1930. La mayoría de las adaptaciones cinematográficas de la revolución y los melodramas populares fueron éxitos de taquilla. Con ellos los cineastas mexicanos lograron algo particular: la creación de una mirada icó- nica de México, donde la memoria de los tiempos de la insurrección se mantuvo presente y fue narrado repetidamente con variaciones inesperadas.

TeleNoveli

Über die Rezeption und die kulturelle Übersetzung lateinamerikanischer Telenovelas in Bulgarien
Vasilena Gankovska

Die Rezeptionsgeschichte der lateinamerikanischen Telenovelas in den ehemaligen Ostblock-Ländern kann als die Geschichte des Begehrens nach Liebe, Ruhm, Leidenschaft und erfüllte Träume begriffen werden. Nach dem Ende des Kalten Kriegs machten sich die Telenovelas auf eine Weltreise und eroberten als erstes die Länder des ehemaligen Ostblocks. Als Zeitzeugin dieses Aufkommens stelle ich einige Beispiele vor, welche die Rezeption der Telenovelas in der bulgarischen Gesellschaft gut illustrieren. Am Anfang stehen die Erinnerungen an die Ge- schichte der “Sklavin Isaura”, die erste lateinamerikanische Telenovela, die hinter dem Eisernen Vorhang ausgestrahlt wurde und für die Herausbildung jener Rezeptionsmuster verantwortlich ist, die im Weiteren den Konsum von Telenovelas vorantrieben. Die Geschichte des spezialisierten Magazins TeleNoveli und dessen Herausgeberin Denitza Todovora ist der Beweis dafür, dass die Telenovelas transnationale kulturelle Muster vermitteln, die Lifestyle-Modelle bilden und ins eigene (nationale) kulturelle Zeichensystem eingebettet werden.

TeleNoveli

Recepción y traducción cultural de telenovelas latinoamericanas en Bulgaria

La historia de la recepción de las telenovelas latinoamericanas en los países del antiguo Bloque del Este puede ser vista como la del deseo de amor, fama, pasión y sueños cumplidos. Tras el fin de la Guerra Fría, la telenovela inició su gira mundial, siendo los países excomunistas los primeros en ser conquistados por este género televisivo . Como testigo presencial de ese fenómeno, presento algunos ejemplos que ilustran la recepción de las telenovelas en la sociedad búlgara. Para empezar, surge el recuerdo de la historia de „la esclava Isaura“, la primera telenovela latinoamericana que salió al aire en países de la „Cortina de Hierro“ y responsable de la aparición de los patrones de recepción que en lo sucesivo impulsarán el consumo de telenovelas. La historia de la revista especializada TeleNoveli y su editora Denitza Todovora, son la evidencia clara de que las telenovelas transmiten patrones culturales transnacionales, configurando modelos de estilo de vida que se insertan en el sistema de signos culturales propios de una nación.

Postkoloniale Einverleibungen

The Rest eats the West – Zur Praxis der Antropofagia
Catrin Seefranz

Die avantgardistische Bewegung der Antropofagia gehört zu den mittlerweile kanonisch gewordenen Formationen des in den 1920er Jahren explodierenden Modernismus Brasiliens. Als dissidente Kulturtheorie stand sie im Widerspruch zu den verschiedensten hegemonialen Positionen, ob Modernisierungsdiktat, Katholizismus, Latifundariat oder Indigenismo . Sozial im privilegierten Kontext der metropolitanen Bohème São Paulos situiert, forderte die Antropofagia ästhetischen, politischen und epistemischen Ungehorsam, der sich vor allem anderen der Macht des Kolonialen entgegensetzt, die auch in der postkolonialen Kondition Brasiliens am Vorabend des Estado Novo relevant bleibt. Emblematischer Held der Antropofagía ist der Tupi, der menschenfressende Wilde, der als souveränes Subjekt inthronisiert wird. Damit gelingt der Antropofagia die Volte, die seit der Conquista dominante Trope des Kannibalischen als Chiffre absoluter Alterität zu besetzen und die kolonialen Logiken zu unterlaufen. Die Antropofagia ist “die originellste meta-kulturelle Reflexion, die jemals in Lateinamerika produziert wurde” und “die einzige wirkliche antikoloniale Strategie, die wir generiert haben .” (Viveiros de Castro) Der Beitrag skizziert das Konzept der Antropofagia, situiert es in seinem historischen Kontext und argumentiert, warum die antropofagische Praxis für aktuelle kritische Diskurse und Positionen relevant bleibt.

The Rest eats the West
Acerca de la práctica de la Antropofagia

El movimiento vanguardista de la Antropofagia pertenece a las formaciones ya devenidas en canónicas desde la explosión del modernismo en Brasil, en la década de los años 1920. Esta teoría cultural disidente entró en conflicto con una variedad de posiciones hegemónicas, ya fuesen estas los dictados de la modernización, el catolicismo, el latifundismo o el indigenismo. Ubicada socialmente en el marco privilegiado de la bohemia cosmopolita de São Paulo, la estética de la Antropofagia exigía una desobediencia política y epistémica que se opusiese por encima de todo al poder de la herencia colonial, el cual continuó siendo relevante en el Brasil de condición postcolonial anterior a la llegada del Estado Novo. El Tupí, el salvaje devorador de hombres, es el héroe emblemático de la Antropofa- gia que lo entroniza como sujeto soberano. La Antropofagia socava las lógicas coloniales y logra la vuelta a través de la resignificación del tropo dominante del caníbal como signo de la alteridad absoluta desde la Conquista. La Antropofagia es “la reflexión metacultural mas original producida en América Latina” y “la única genuina estrategia anticolonial que hemos generado” (Viveiros de Castro). El texto esboza el concepto de la Antropofagia, la sitúa en su contexto histórico, y argumenta por qué la práctica antropofágica sigue siendo relevante para actuales posiciones y discursos críticos.

Feito nas Coxas

The concept of Performance and Performativity explained through relations between body and space
Roberta Lima

Feito nas Coxas is a description of how my migratory path – from Brazil to Europe, from architecture into arts, from praxis into theory, from pop and sub-culture into historical references – has strongly influenced me in developing a dynamic and interdisciplinary method of work. After engaging in a series of performances in which the main subject was the body, I started to look into the performative and its many elements as means to investigate the relationship between body and space. For that, I elaborated on the idea of performance as relational: people (performer, piercer, camera crew, audience, etc.), objects (needles, ribbons, trapeze, suspension structures, cameras, etc.) and the way they were positioned in a room and in relation to one another is what configures the space. In this text, I also point out the rel- evance of the media as co-performer and as tool for investigating the political and social contexts in which artworks were and are performed. Following that, I focus on two works Into Pieces (2008) and Please Help Yourself (2008) to demonstrate the concepts of performance and performativity not only in theory, but also through practical examples in Brazilian arts, architecture, history, everyday life, and col- loquial language. In conclusion, I aim to take a step further into questioning the classical ways of performance production and representation.

Feito nas coxas
El concepto de Performance y Performatividad explicado a través de las re- laciones entre el cuerpo y el espacio

Feito nas Coxas es una descripción de cómo mi trayectoria migratoria – de Brasil a Europa, de la arquitectura a las artes, de la praxis a la teoría, del pop y la subcultura a la referencia histórica – ha ejercido una fuerte influencia sobre mí, la cual se evidencia en el desarrollo de un método dinámico e interdisciplinario de trabajo. Después de participar en una serie de performances en las que el tema principal era el cuerpo, empecé a centrar mi atención en lo performativo y sus muchos elementos como vehículos para investigar la relación entre el cuerpo y el espacio. Debido a esto elaboré la idea de performance como relacional: la gente (el performer, el piercer, el equipo de filmación, el público, etc), los objetos (las agujas, las cintas, el trapecio, las estructuras de suspensión, los cámaras, etc .) y la forma en que se colocaron en una habitación relacionándose unos con los otros, es lo que configura el espacio. En este texto, también destaco la relevancia de los medios en su rol de co-performers y como herramientas para la investigación de los contextos políticos y sociales en los que obras artísticas fueron y son producidas. De acuerdo a esto, me centro en dos trabajos: Into Pieces (2008) y Please Help Yourself (2008) para demostrar los conceptos de perfomance y performati- vidad, no solo a nivel teórico, sino también a través de ejemplos prácticos en las artes brasileñas, arquitectura, historia, vida cotidiana y lenguaje coloquial. En conclusión, mi objetivo es ir un paso más allá y cuestionar las formas clásicas de performance, producción y representación.

Pathos und Revolte im Film

Überlegungen zu Deus e Diabo na Terra do Sol von Glauber Rocha
Regina Câmara

Das menschliche Leid wird in den Filmen des brasilianischen Cinema Novo häufig dargestellt. Schließlich ging es den Filmemachern um die Thematisierung der harten sozialen Realität ihres Landes. Welche geschichtsphilosophischen Impli- kationen das „Pathos“, also die Darstellung des Leids in der Kunst, beinhalten kann, wird anhand des Films „Deus e Diabo na Terra do Sol“ von Glauber Rocha (1964) erarbeitet. Dabei werden Friedrich Schillers Überlegungen „Über das Pa- thetische“ bei der Betrachtung des als zeithistorischen Dokuments zu bewertenden Films mit einbezogen.

Pathos y Revuelta
Acerca de la película Deus e Diabo na Terra do Sol de Glauber Rocha

El sufrimiento humano suele representarse a menudo en las películas del Cinema Novo brasileño. En última instancia, a estos cineastas les interesaba tematizar la dura realidad social de su país. Tomando como ejemplo la película „Dios y el diablo en la tierra del sol“ de Glauber Rocha (1964), se analizarán las implicacio- nes histórico-filosóficas que puede tener el „pathos“, es decir, la representación del sufrimiento en el arte. Al observar la película – valorada como documento histórico – se tomarán en cuenta las reflexiones de Friedrich Schiller expuestas en „Sobre lo patético“.

Handlungsmacht, Struktur, Bewegung

Zur Rezeption der Kulturtheorie Pierre Bourdieus bei Néstor García Canclini
Jens Kastner

Der Beitrag stellt die inzwischen mehrere Jahrzehnte währende Auseinandersetzung des argentisch-mexikanischen Kulturtheoretikers Néstor García Canclinis mit der Sozial- und Kulturtheorie Pierre Bourdieus in ihren Grundzügen dar. Ein besonderer Fokus wird dabei auf das bereits bei Bourdieu intensiv verhandelte Verhältnis von Praktiken/Praxen und Strukturellem gelegt. Es sind vor allem zwei Kritikpunkte, die García Canclini hinsichtlich der Theorie Bourdieus ausformuliert hat. Zum einen beharrt er, sowohl auf der Grundlage empirischer Studien als auch in politischer Hinsicht, auf der relativen Autonomie der Praxen in den popularen Klassen, ohne dabei allerdings diese Autonomie zu verabsolutieren. Zum anderen wirft er Bourdieu ein verkürztes und letztlich depolitisierendes Verständnis des Symbolischen vor, das den Zusammenhang von symbolischer Gewalt und repressiver staatlicher Macht ausklammere. Die empirische wie theoretische Arbeit García Canclinis wird als kritisches Anknüpfen vor dem Hintergrund der Sozialstruktur in Lateinamerika diskutiert und schließlich selbst einer Kritik unterzogen.

Agencia, estructura, movimiento
Sobre la recepción de la teoría cultural de Pierre Bourdieu en la obra de Néstor García Canclini

El texto aborda los temas básicos de un debate que ya lleva algunas décadas, entre el teórico de la cultura, el argentino-mexicano Néstor García Canclini, y la teoría cultural de Pierre Bourdieu. Se pondrá énfasis en la relación entre prácticas / praxis y estructura, la cual ya ha sido tratada con intensidad por Bourdieu. García Canclini ha formulado sobre todo dos críticas a la teoría de este autor: por un lado insiste – basándose en estudios empíricos y desde un punto de vista político – en la relativa autonomía de las prácticas sociales de las clases populares, aunque sin pretender absolutizar esta autonomía. Por otro lado, le reprocha a Bourdieu una reducida, y en última instancia despolitizante comprensión de los simbólico, la cual deja de lado la relación entre violencia simbólica y poder represivo del Estado. El trabajo teórico y empírico de García Canclini será discutido como un nexo crítico que tiene como trasfondo la estructura social en Latinoamérica, y finalmente sometido él mismo a crítica.

Ausdruck und Affekt

Überlegungen zum Spannungsfeld von kulturellem Ausdruck und Affekt
Tom Waibel und Hansel Sato

In diesen einleitenden Überlegungen geht es darum, die zentralen und titelgebenden Begriffe Handlungsmacht, Ausdruck und Affekt zu kontextualisieren und deren Funktionsmechanismen zu beschreiben. Zunächst wird Affekt im Hinblick auf sein Verhältnis zu Arbeit untersucht und dabei wird festgestellt, dass die vielfach konstatierte affektive Wende in einer engen Beziehung zur Herausbildung von affektiver Arbeit im gegenwärtigen kognitiven Kapitalismus steht. Danach wird die Frage nach dem Ausdruck repräsentations- und kommunikationskritisch untersucht. Dabei gewinnt der Ausdruck in Anlehnung an Deleuze und Guattari einen bedeutenden Stellenwert als der Möglichkeit, Inhalt zu verändern und ein Werden zu bezeichnen. Abschließend werden Fragen nach Handlungsmacht in den Kontext der Estudios Culturales Latinoamericanos gestellt und einige Transformationen des Begriffs kritisch untersucht.

Expresión y afecto
Reflexiones acerca del área conflictiva de la expresión cultural y el afecto

En estas reflexiones introductorias se trata de contextualizar los términos centrales del título general: agenciamiento, expresión y afecto y por ende describir sus mecanismos funcionales. Al principio se examina el afecto con respecto a su relación con el trabajo y se comprueba que el giro afectivo repe- tidas veces anunciado mantiene un vínculo estrecho con la formación del trabajo afectivo en el capitalismo cognitivo contemporáneo. A continuación se indaga la cuestión de la expresión mediante una crítica de la representación y de la co- municación . Tomando como base las teorías de Deleuze y Guattari la expresión obtiene un valor importante siendo la posibilidad para cambiar el contenido y denominar un devenir. Por último se discuten los problemas del agenciamiento en el contexto de los Estudios Culturales Latinoamericanos y se analiza críticamente algunas transformaciones del concepto.

Emilio Santisteban

Emilio Santisteban (Arequipa, Perú, 1966). Curador en la IV Bienal Internacional de Performance Deformes 2012, Santiago de Chile; Co-gestor de Cita a Ciegas: Encuentro de Performance (Epicentro Cusco, 2009) y Euro Latin Performance Tour (Epicentro Cusco y Flux I Bell Structurs Berlin, Berlín, Zurich, Berna y Hannover 2010) . Brinda conferencias sobre performance y ha publicado en las revistas Prótesis de la Pontificia Universidad Católica del Perú y ArtMotiv. Docente en la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú, en el Centro de la Imagen y en Escuela de Artes Visuales E . Sachs. Actualmente es miembro del colectivo Nadienospaga que trabaja en temas de justicia social relacionada a la extracción minera en Perú. Como artista ha participado en Actualitas Kunst Vor Ort, HBK Braunschweig 2010; Festival Osso de Performance Urbana, Salvador de Bahía 2010; Linha Luquida, Museo Memorial de América Latina, Sao Paulo 2009; IV Bienal de Tijuana; VIII Bienal de La Habana; III Bienal de Porto Alegre; VII Bienal de El Cairo, etc., y ha sido ganador de la Medalla de Oro de Bellas Artes, el Primer Premio de Pintura de Bellas Artes, Primer Premio 2V’S y Primer Premio Nacional CCC. Junto al Colectivo Sociedad Civil recibió, en reconocimiento al trabajo cívico realizado por la construcción de democracia, el Premio Caretas a la Resistencia Ciudadana 2001 y el Premio Flora Tristán 2001.

Marissa Lôbo

Marissa Lôbo wurde 1975 in Brasilien geboren und studierte in Bahia Geschichte. Sie lebt seit elf Jahren in Europa. Nach Stationen in Italien und Portugal ist Marissa Lôbo seit sechs Jahren in Österreich. Sie ist Koordinatorin der Kulturabteilung des Verein Maiz und Preisträgerin des Willemer Preises; sie ist eine Aktivistin, die sich in der Schwarzen- und Migrant_innen-Bewegung engagiert und dabei versucht, Politik und Kunst miteinander zu verbinden. In diesem Kontext entstanden verschiedene performative Arbeiten. Marissa Lôbo studiert derzeit an der Akademie der bildenden Künste in Wien postkonzeptuelle Kunstpraktiken.

Gin Müller

Gin Müller ist Dramaturg, Theaterwissenschafter und Queer-Aktivist; Dissertation am Institut für Theater-, Film- und Medienwissenschaft der Universität Wien; Lektor an der Uni Wien und an der Akademie der Bildenden Künste Wien. 2008 erschien Possen des Performativen. Theater, Aktivismus und queere Politiken beim Verlag Turia und Kant.

Miguel Alvarado Arias

Miguel Alvarado es Profesor Asociado de la Universidad de Costa Rica y Coordinador de la Cátedra José Martí de la misma. Alvarado obtuvo el Premio Nacio- nal Joven Creación (Poesía, 1980); algunos de sus títulos publicados: Insurrección de las cosas (1981), Tentación maniquí (2010). Su poesía ha sido publicada en Revistas de América Latina, Estados Unidos, España y Bielorrusia.

Elisabeth Streit

Elisabeth Streit studierte Theater-, Film und Medienwissenschaften sowie Publizistik an der Universität Wien. Sie ist Bibliothekarin im Österreichischen Filmmuseum und Obfrau von Kinoki, Verein für audiovisuelle Selbstbestimmung. Sie publiziert regelmäßig filmwissenschaftliche und journalistische Texte zur Filmgeschichte für die feministische Zeitschrift an.schläge und ist Programmgestalterin bei Kinoki. Zuletzt ist von ihr erschienen: En miniature – Joe Berger im Film, in: Denken Sie! Interdisziplinäre Studien zum Werk Joe Bergers. (Klagenfurt: Ritter 2011) und: Darling, ich bin das Kino, in: an.schläge 02/2013 Wien.

Vasilena Gankovska

Geboren 1978 in Troyan, Bulgarien. Lebt seit 2001 in Wien und Sofia und arbeitet als bildende Künstlerin. In ihrer künstlerischen Arbeit beschäftigt sie sich mit den unterschiedlichen Aspekten des Städtischen, der Freizeit und der Arbeit und deren Räumen. Sie arbeitet derzeit an einer umfangreichen Untersuchung zu den Transformationsprozessen des urbanen Raums in den postsozialistischen Ländern. Ein weiteres Interessensgebiet ist die Formierung der Popkultur in den postsozialistischen Gesellschaften und insbesondere die Rolle der Fernsehserien (Soap Operas, Telenovelas und Reality-TV-Formate) und wie diese die visuelle Kultur beeinflussen.

Catrin Seefranz

Kulturwissenschaftlerin und Lateinamerikanistin, wissenschaftliche Mitarbeiterin am Institute for Art Education der Kunsthochschule Zürich, arbeitet an verschiedenen Projekten zwischen brasilianischem Modernismus und zeitge- nössischem Kunstfeld. Die Projekte verbindet ein Interesse für gegenhegemoniale Praktiken im Kunstfeld und ihren Institutionen, sowie eine historisch und dekoloniale Perspektive auf aktuelle Paradigmen und Praxen wie künstlerische Forschung oder Vermittlung. Aktuell arbeitet sie etwa an einer Recherche zur emanzipatorischen Avantgarde in Bahia der 1960er Jahre im Rahmen eines transnationalen Projekts zu kritischer Praxis der Kunstvermittlung (Another Roadmap for Art Education) oder einer Forschung zu Politiken der Differenz im Feld der Kunsthochschule (Making Differences).

Roberta Lima

was born in 1974 in Manaus, Brazil. After graduating with a degree in architecture in 2002, she moved to Europe where she now lives. In 2007, after earning a Master’s degree in Fine Arts, she began her PhD studies at the Academy of Fine Arts Vienna. She focuses on her own body as theme for her work and uses various media, such as photographs, video and installations. Additionally she investigates space and appropriates aspects of different places and contexts – from subculture to science, from popular media to historical reference and feminist theory – for producing art and starting discussions on the role of artist and viewer . Exhibi- tions (selected): 2012 Aesthetics of Risk (Galerie Charim, Vienna); Displacement (White Box, New York); 2011 Wiener Glut (KIT, Düsseldorf); 2010 where do we go from here? (Secession, Vienna); website

Regina Câmara

Dr. Regina Câmara ist Historikerin und promovierte über das Cinema Novo; sie ist Lehrbeauftragte und wissenschaftliche Mitarbeiterin an den Universitä- ten Potsdam, Brasília und Hannover, sowie Kuratorin zahlreicher Filmreihen für kommunale Kinos (Berlin, Hamburg, Potsdam). Sie ist seit 2011 Lektorin am Institut für Theater-, Film- und Medienwissenschaften der Universität Wien.

Laymert Garcia dos Santos

Possui graduação em Bacharel em Comunicação Social - (Jornalismo) pela Universidade Federal do Rio de Janeiro (1969), mestrado em Sociologie des Sociétés Industrielles - École des Hautes Études en Sciences Sociales (1975) e doutorado em Sciences de l'Information - Universite de Paris VII - Universite Denis Diderot (1980). Atualmente é professor titular - depto de sociologia/ifch da Universidade Estadual de Campinas, conselheiro do CNPC do Ministério da Cultura e bolsa de pesquisa individual do Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico. Foi Diretor da Fundaçâo Bienal de São Paulo, de outubro de 2009 a junho de 2010. Tem experiência na área de Sociologia, com ênfase em Sociologia da Tecnologia, e em Arte Contemporânea, atuando principalmente nos seguintes temas: biotecnologia, tecnologia, arte contemporânea, política e Brasil. Atualmente é Coordenador do Laboratório de Cultura e Tecnologia em Rede, Instituto Século 21, em São Paulo.

Jens Kastner

Jens Kastner, Dr. phil., Soziologe und Kunsthistoriker, lebt als freier Autor und Dozent in Wien. Er ist Lehrbeauftragter am Institut für Kunst und Gestaltung der TU Wien (seit 2009) und lehrt seit 2008 als wissenschaftlicher Mitarbeiter / Senior Lecturer am Institut für Kunst- und Kulturwissenschaften der Akademie der bildenden Künste Wien. Arbeitsschwerpunkte: Kunst- und Kulturtheorien, Geschichte und Theorie sozialer Bewegungen. Veröffentlichungen in diversen Zeitungen und Zeitschriften zu Sozialen Bewegungen, Cultural Studies und zeit- genössischer Kunst. Seit 2005 koordinierender Redakteur von Bildpunkt. Zeit- schrift der IG Bildende Kunst.

Tom Waibel

Tom Waibel ist Doktor der Philosophie durch die Universität Wien. Er arbeitet in den Bereichen Text, Medien und Kommunikation mit Schwerpunkt auf politische Theorie, postkoloniale Kritik, Migration und Globalisierung. Aufbau von Projekten zur kommunalen Kommunikation in Mesoamerika, Gastlektor an der Escuela Nacional de Antropología e Historia (ENAH) in Mexiko, an der Universität Wien und der Wiener Kunstschule. Mitherausgeber der Reihe: Es kommt darauf an. Texte zur Theorie der politischen Praxis, bei Turia + Kant (Wien / Berlin) . Zuletzt von ihm erschienen: Das Unmögliche ist unaufhaltbar oder: Woran erkennt man eine Revolution? In: Tom Waibel, Isabel Lorey, Jens Kastner und Gerald Raunig: Occupy! Die aktuellen Kämpfe um die Besetzung des Politischen. Wien, Turia + Kant 2012.

Hansel Sato

Nació en Trujillo, Perú. Llegó a Viena tras ganar la beca de arte UNESCO-Aschberg. En esta ciudad terminó sus estudios de Pintura y Diseño Gráfico, en la Academia de Bellas Artes. Numerosos premios de arte. Su producción se centra en la pintura figurativa, el cómic político y el dibujo. Desde hace algunos años empezó a producir arte en el espacio público tocando temas relativos al postcolonialismo, memoria histórica y deconstrucción del género. Ha dirigido talleres y dictado seminarios y conferencias en la Academia de Bellas Artes de Viena, la Universidad Alpen-Adria de Klagenfurt, la Universidad de Innsbruck, la Academia de Bellas Artes de Sofía, la Universidad de Arte de Zurich, la Escuela de Arte de Viena y la Universidad Carl von Ossietzky de Oldenburg.